ESCUELA SIENESA

La escuela de Siena se caracteriza por hacer un arte cortesano, colorista e irreal, con los fondos dorados de tradición bizantina. Ofrece una visión idealizada de la realidad. Es el modelo que más se difundió por Europa.

Duccio fue el fundador de esta escuela pictórica. Sus trabajos, de carácter religioso, se caracterizan por la sensibilidad del dibujo, la habilidad de la composición, la calidad decorativa y una intensidad emocional mayor que la del modelo bizantino por la que estaba fuertemente influenciado. Además intentó superar la bidimensionalidad bizantina.

En los siglos XIII y XIV, la ciudad de Siena competía en el esplendor de su arte con Florencia. Es en esta ciudad en la que Duccio ejecuta su mayor obra y una de las más famosas pinturas italianas: la Maestà de la catedral de Siena.

La Maestà fue pintada por los dos lados: en un lado la Virgen con el Niño y en el otro, escenas de los Evangelios; revela fuertes lazos con la tradición bizantina, pudiendo apreciarse la influencia de Europa Septentrional en las formas graciosas y ondulantes de las figuras.

Simone Martini fue el otro gran maestro de la escuela sienesa, considerado como el artista más puramente gótico de Siena y el único que podía rivalizar con Duccio. Debió formarse en el círculo de Duccio, pero desarrolló de manera muy personal el estilo de su maestro y le añadió un gran interés por los efectos de perspectiva.
Hizo un uso decorativista de la línea y del color, como en las miniaturas francesas del Gótico-Lineal, y fue un creador genial de composiciones delicadas, elegantes y amables, imbuidas de armonía y refinamiento.
Su Madonna con santos y ángeles del gran salón del Palacio Comunal de Siena (1315) es muy característica y muestra esta influencia de la pintura francesa, aunque igual siempre mantuvo lazos con la tradición bizantina

-Claudia Guerra

LA ESCUELA FLORENTINA

En la pintura italo-gótica del siglo XIV, encontramos una fuerte influencia bizantina «manera greca», y de la antigüedad clásica. Este será el germen de la pintura moderna: desaparece la línea negra, surge el claroscuro, lo que revela su preocupación por el volumen y la profundidad, y conduce al estudio de la perspectiva y la plasmación de los estados anímicos y del sentimiento.

Se considera a Cimabue el iniciador de la escuela florentina del Trecento, que partiendo de la “maniera greca” (bizantina) llevaría al naturalismo que culminaría en el Renacimiento. Se encaminó a un mayor realismo abandonando la bidimensionalidad del estilo bizantino.
No obstante, el gran maestro de esta escuela es un discípulo suyo, Giotto al que se considera como auténtico iniciador de la pintura moderna.

Es Giotto quien busca representar el espacio, conquista la técnica, la perspectiva lineal, la coloración objetiva, la luz y degradación de colores. Dio un tratamiento revolucionario a la forma y a la representación realista del paisaje, introduciendo la tridimensionalidad, lo que significó un gran paso en la historia de la pintura. Con él llega a la cumbre la pintura gótica italiana.

Giotto tenía un gran poder para organizar toda una escena en torno a una imagen central, como puede verse en una de sus obras más famosas, el Beso de Judas.

Se inspira en la naturaleza, lo que rompe con la tradición bizantina.

Intenta romper con el hieratismo dando un carácter más humano a las figuras y dando expresividad a los rostros. Además adoptó el lenguaje visual de escultores al darle volumen y peso a sus figuras.

Un ejemplo de la obra d Giotto es la Virgen en el Trono, en donde la composición y el fondo dorado hacen pensar en una concepción gótica de origen bizantino, pero el naturalismo y la monumentalidad de la Virgen nos muestran el personalísimo sello de Giotto.

- Claudia Guerra

La Concha de Venus de milo

Según Hesiodo, cuando Cronos, tras mutilar a su padre con la guadaña, lanzó los despojos viriles de Urano al mar, en torno a ellos se concentró una gran cantidad de espuma blanca en cuyo centro nació Afrodita como una perla maravillosa, recostada sobre el nacar irisado de una concha que le sirvió de cuna. Empujada por el soplo de Céfiro, llegó a las costas de Chipre donde fue recibida por las Horas que, maravilladas por su belleza, le pusieron una collar resplandeciente y una corona y la condujeron al Olimpo.




También en la antiguedad clasica, la concha era la metafora de a vulva de la mujer.

Sueños de Inocencio III

El Sueño de Inocencio III está conectado con otra escena de la basílica Superior de Asís, La confirmación de la regla. Giotto dedicó dos episodios en los que figura este personaje por ser uno de los más importantes dentro de la vida de San Francisco: fue el papa Inocencio III el que escuchó las ideas del santo y constituyó la orden franciscana, sancionando la regla. La composición de la escena se presenta en dos registros, cada uno representado por la presencia de las estructuras arquitectónicas. A la derecha, se muestra, dentro de la estructura de un edificio abierto a modo de escenario, el tema principal de la obra: el Papa durmiendo en su cama apaciblemente. La escenificación de los pensamientos del papa tiene su ejemplificación en la zona de la izquierda, donde aparece San Francisco sosteniendo una iglesia, San Juan de Letrán, que amenaza con derrumbarse. De esta forma, el santo se configura como el salvador no sólo de San Juan de Letrán, sino de toda la institución eclesiástica, a partir del seguimiento de sus preceptos de Obediencia, Castidad y Pobreza.

Aun la representación de dos espacios diferentes, Giotto consigue unificar la escena, con detalles como el cortinaje de la cama que se enrosca en la columna, o la disposición cercana del santo a la zona de la derecha, transgrediendo su propio espacio e incorporándose en el figurado para el Papa, con su pie izquierdo y su brazo, postura que adopta por el peso que su cuerpo está soportando. La escena es de gran verosimilitud tanto en el espacio creado como en los detalles de una naturalidad casi cotidiana.

PINTURA RENACENTISTA

Italia fue el foco primero y principal del Renacimiento en todas su manifestaciones, del siglo XV al XVI. La pintura del Quattrocento se desarrolló primero en Florencia, con la obra de Fra Angelico y sobre todo de Masaccio, que creó una nueva sensibilidad, totalmente ajena al gótico. Logra la sensación de espacio a través del uso metódico de la perspectiva lineal, como puede verse en la Trinidad de Santa María Novella.

La segunda fase del renacimiento italiano es el Cinquecento, en el que destacan los tres grandes nombres de la pintura renacentista: Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel, cuya prodigiosa labor en la Capilla Sixtina constituye una de las obras cumbres del Renacimiento.























El carácter distintivo de la pintura del renacimiento en general y en su periodo de apogeo consiste:

* En la unidad de la composición, de la perspectiva, de la anatomía y morbidez muscular y de la belleza exterior física tendiendo a imitar la naturaleza con desenvoltura e inspirándose a la vez los artistas en las obras clásicas escultóricas.
* Por razón de los asuntos, en la universalidad de ellos, dando mucha entrada a los mitológicos apenas tratados en la época anterior y cultivando singularmente el retrato y las historias. Y aunque no se olvidan los cuadros religiosos, carecen éstos por lo común de la idea y unión mística de la época precedente (sobre todo, en las Vírgenes o Madonnas) y hasta desvían con frecuencia el ánimo de la verdadera piedad. Aunque está plena de religiosidad, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia.
* Por razón del procedimiento, se distingue en el abandono definitivo de los realces y dorados, en la predilección por los lienzos sin tabla y en la adopción casi exclusiva de la pintura al óleo, salvo las decoraciones murales al temple y al fresco.

ESCULTURA RENACENTISTA

La escultura del Renacimiento se sirvió de toda clase de materiales, principalmente del mármol, bronce, madera y terracota.

El mármol fue uno de los materiales más empleados, junto con el alabastro o los mármoles rosas que se utilizaron principalmente en las zonas adyacentes a sus canteras. El mármol más apreciado durante el Renacimiento en Italia fue el de Carrara, que posteriormente fue exportado y actualmente se encuentra extendido por todos los países europeos. Su calidad, su blanco inmaculado y la gran capacidad de sus canteras hacían que la mayoría de los escultores se trasladaran a Carrara a buscar sus bloques; Miguel Ángel prefirió este tipo de mármol a cualquier otro, viajaba a las canteras para elegir los bloques vírgenes e incluso se sabe de largas estancias en ellas para proceder al desbastado in situ de las esculturas.

El bronce compitió con el mármol principalmente en monumentos funerarios, fuentes y pequeñas esculturas para decoración de interiores, así como en estatuas ecuestres como la del condottiere Colleoni en Venecia. Las reproducciones de estatuillas en bronce tuvieron gran difusión en el Renacimiento, debido al gran número de coleccionistas. En Florencia fueron Antonio Pollaiolo (Hércules y Anteo) y Andrea del Verrocchio (Niño alado con pez) los iniciadores por encargo de los Médicis. Del taller de Leonardo da Vinci se conservan pequeños bronces con el caballo encabritado de una altura de 23 cm. El escultor de Mantua Pier Jacopo Alari Bonacolsi, llamado Antico, se instaló en Roma para la ejecución de reducciones en bronce de mármoles antiguos.

La madera fue utilizada mayormente en países como Alemania y España, donde la gran riqueza forestal y el trabajo tradicional de la madera policromada estaba muy arraigado; se empleó en la ejecución de imaginería religiosa, retablos y altares.

La terracota fue empleada como material más pobre y por lo tanto más económico; se utilizó terracota en color natural y policromada, como la empleada por Antonio Rossellino y su discípulo Matteo Civitali en la Virgen de la Anunciación en la iglesia de los Siervos de Lucca. El artista italiano Pietro Torrigiano realizó en España varias esculturas en barro policromado, algunas de ellas se conservan en el Museo de Bellas Artes de Sevilla. A Lucca de la Robbia, que siguió el estilo donatelliano, se le atribuye la invención del barro esmaltado que empleó en el tabernáculo de Santa María Novella de Florencia en combinación con el mármol para darle colorido a la obra, y después en tondos y en Madonnas; su taller seguido por su sobrino Andrea della Robbia realizó gran cantidad de obras de terracota esmaltada que se difundieron por toda Europa.





La escultura usa los ideales de la antiguedad, inspiracacion en la naturaleza, humanismo antropocéntrico e idealismo. a pesar de estas caracterisitcas no se dejaran de hacer obras religiosas

Los dos siglos que dura el Renacimiento en Italia darán lugar, igual que en las demás artes, a dos etapas:

* Quattrocento (siglo XV): El centro escultórico principal será Florencia, donde la familia Médicis y con posterioridad la República ejercerán de mecenas de numerosas obras. Lorenzo el Magnífico era aficionado a las esculturas griegas y romanas y había formado una interesante colección de las mismas, poniendo de moda el gusto clásico. Los autores más destacados de la época serán Lorenzo Ghiberti (Puerta del Paraíso del Baptisterio de Florencia), Andrea Verrocchio (Monumento al condotiero Colleoni), Donatello, el taller de los hermanos Della Robbia, que introducen la cerámica vidriada y policromada como novedad, utilizándola en decoraciones de edificios, Jacopo della Quercia, Desiderio da Settignano y Bernardo Rossellino.


* Cinquecento (siglo XVI). Esta época está marcada por la aparición estelar de uno de los escultores más geniales de todos los tiempos, Miguel Ángel Buonarrotti (1475-1564). Hasta tal punto marcó la escultura de todo el siglo, que muchos de sus continuadores no fueron capaces de recoger todas sus novedades y éstas no se desarrollarán hasta varios siglos después.

PERSONAJES DE LA ESCUELA DE ATENAS

- CLAUDIA GUERRA.

Santiago de Compostela

Es una ruta que recorren los peregrinos procedentes de España y de toda Europa para llegar a la ciudad de Santiago de Compostela, donde se veneran las reliquias del apóstol Santiago el Mayor.después de haber sido olvidado ha vuelto a tomar un gran auge. El Camino de Santiago ha sido declarado por la Unesco Patrimonio de la Humanidad.

Los orígenes del culto a Santiago se debe a que dice la leyenda de que Santiago el Mayor había sido enterrado en estas tierras, y tras el descubrimiento del sepulcro y las reliquias del apostol es que se inicia la peregrinacion de gente de diversas partes de europa.Este camino es la prueba del poder de la fe cristiana entre la gente de diferentes nacionalidades y grupos sociales en Europa. se establecieron rutas desde diversas zonas de Europa hacia el lugar del hallazgo, que llamaron Santiago de Compostela. Jacobo y Santiago son el mismo nombre; por eso al camino de Santiago se le conoce también con la denominación de «ruta jacobea».La peregrinación era un medio para conseguir el perdón de los pecados o para cumplir una penitencia

Los caminos que conducen a Santiago de Compostela cubren toda Europa. estas rutas espirituales, que aún en la actualidad siguen recorriendo creyentes y no creyentes, muestran la expansión del Cristianismo en la Edad Media.En total son ocho las Rutas que conducen a la capital gallega. Entre las más antiguas cabe destacar el Camino Francés, el Primitivo, el Inglés, el Portugués, el del Norte y la Vía de la Prata. En los últimos tiempos se han añadido otras dos Rutas, la de Fisterra Muxía y la del Mar de Arousa y Ulla, ya sea por creencias religiosas, o por la búsqueda de una aventura, son cada vez más las personas que, año a año, deciden recorrer la antigua ruta utilizada por los peregrinos en la época medieval, para llegar a la ciudad de Santiago de Compostela en España. El Camino de Santiago es similar a la tradición musulmana de viajar a La Meca, tambien se le conoce como la “Vía Láctea”, debido que en la aquellos tiempos los peregrinos se guiaban mucho por las estrellas para poder de esa manera llegar a su destino.

Definitivamente debe ser maravilloso recorrer este camino sea de la manera que se recorra, ya sea a pie a caballo o bicicleta porque nos hace hacer un viaje hacia atraz, un reencuentro con la historia.

-alessandra alfaro

Escuela de Atenas

La famosa escuela de Atenas es una pintura renacentista realizada por el artista Rafael Sanzio; fue pintada entre 1510 y 1511, para decorar con frescos las habitaciones ubicadas en el Vaticano.

Su base es de 7,70 m y de altura 5,00 m. Se puede apreciar una escena en donde se ve una sesion entre los filósofos, científicos y matemáticos clásicos; a su alrededor se ve que es una arquitectura clásica, en unos nichos se ven en grande a los dioses Apolo y Atenea, tambien se puede apreciar a Sócrates hacia la izquierda y tambien un bloque de piedra que simboliza a Cristo, por la "piedra angular", tambien se encuentra Heráclito con rasgos de Miguel Angel, otros de los que aparece en el cuadro es Rafael, un joven de cabello marron con un sombrero azul, a su lado Perugino y muchos más. Es una pintura trabajada con el sentido de la perspectiva.

Cuando el espectador visualiza el fresco se introduce en un mundo clásico y aprecia el movimiento de los distintos personajes pintados, obteniendo ,muy buenos resultado.

Los artistas del Renacimiento entran a formar parte de la asamblea elevada y comparada la función del artista con la de los filósofos, expresando la actividad artística, como un discurso mental y la búsqueda de una idea.

Se ha visto en el fresco una representación de las siete artes liberales: en primer plano, a la izquierda, gramática, aritmética y música; a la derecha, geometría y astronomía; en lo alto de la escalinata, dialéctica. La tablilla sostenida por un niño a los pies de Pitágoras lleva signos simbólicos, muestra de las concordancias musicales.

"El dedo de Platón expresa la orientación final: de la ciencia de los números a la música, de la música a la armonía cósmica, de ésta al orden divino de las ideas.”

-alessandra alfaro

Subcultura gotica y Arte gotico

La subcultura gótica comparte gustos estéticos, musicales y culturales en común. A pesar de que la música gótica abarca varios subgéneros y estilos, todos estos comparten una tendencia hacia una apariencia y un sonido “dark” u “oscuro”. Los estilos de vestimenta dentro de la subcultura toman influencias del death rock, el punk, el estilo andrógino, y hasta el estilo de vestimenta del Renacimiento; sin embargo, los góticos tienen una estética propia, que se centra en el color negro: trajes negros, maquillaje para resaltar palidez en el rostro y hasta lápiz labial de color negro o rojo aplicado en los labios. Es importante aclarar, sin embargo, que no todo aquel que se viste de acuerdo al estilo gótico es considerado gótico por los miembros de la subcultura. De la misma manera, no todos los góticos visten de negro ni tampoco siguen siempre el estilo.
En nuestra opinion la cultura gotica tiende a tener una imagen oscura y que mucha gente la considera satanica y esto no es cierto, la subculturagotica no tienemayor semejanza con el arte gotico además de la imaqgen oscura que esta subcultura quiere transimitir la cual es biern parecida con el periodo artistico

Fachadas Goticas y Romanicas

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ESTILO GÓTICO








ESTILO ROMÁNICO







Claudia Guerra.

RELACION DEL ROMÁNICO Y GÓTICO

El románico es un arte clásico, el gótico es por esencia barroco, apasionado, romántico.
El estilo gótico, se fue consolidando con lo que restaba de las grandes tradiciones romanas y las nuevas técnicas de los llamados "bárbaros'', tomando en cuenta que todavía estaba muy fuerte el sentimiento de volver a lograr aquel antiguo esplendor que Roma había tenido.

Al igual que el románico, el estilo gótico se manifestó principalmente en la arquitectura, y dentro de esta, las iglesias y catedrales, con fines de adoctrinamiento y exaltación de los valores religiosos que se convirtieron en los “Evangelios de piedra”, pues narran con pinturas, estatuas y vitrales escenas bíblicas.
Sin embargo, la arquitectura gótica es infinitamente más complicada que la románica. Corresponde a una época llena de entusiasmos religiosos y de riqueza material.

En la arquitectura románica o en la bizantina la estructura es un medio necesario para llegar a un fin artístico, se halla escondida tras una ornamentación de pinturas o estucos y muchas veces todo el edificio no es sino un andamiaje para exhibir grandes frescos y mosaicos. De la arquitectura gótica puede decirse exactamente lo contrario. La decoración está subordinada al dibujo que forman los elementos estructurales, los nervios de las bóvedas y los fustes sustentantes, por ejemplo, que son en primera instancia funcionales.
Por otra parte, la estructura del edificio adquiere una dignidad estética desconocida hasta entonces. La maravillosa precisión, por ejemplo, con que se cortaban todos los bloques y se colocaban en la bóveda gótica sin dejar juntas irregulares que hubiera que ocultar, sugiere no sólo una técnica de ejecución perfecta sino también un gusto nuevo y un aprecio del sistema tectónico.

Este nuevo estilo representó un progreso técnico considerable en relación al estilo románico, es decir, mucho mejor. Los arcos de medio punto se afinaron para transformarse en arcos ojivales que facilitaron la construcción de altas catedrales, con sus torres que realmente parecen rascar el cielo, y el peso de la construcción descansaba en estructuras como pilares esbeltos, bóvedas de crucería que permitieron cambiar los gruesos muros, los macizos contrafuertes del románico fueron reemplazados por columnas adosadas. Todo esto implicaba que se pudieran construir edificios altos con inmensos vitrales que llenaban el interior de luz exterior.

De este modo fue como el austero estilo románico dio paso a este nuevo estilo arquitectónico en el cual la luz y lo monumental jugaban un rol primordial.














CLAUDIA GUERRA

Contexto historico del Gótico

El gótico empezó a entrado la edad media baja, en el siglo 12. Durante las cruzadas (entre los siglos XI y XIII, contra los musulmanes que estaban en Jerusalén, el florecimiento de las órdenes religiosas (como los jesuitas, dominicos, agustinos entre otros), el inicio de las universidades (probablemente la primera universidad fue Bolonia fundada en el año 1088), la expansión del feudalismo y la invención de la burguesía, el máximo desarrollo de la cultura urbana. Así también como la acentuación de los conflictos (revueltas populares, herejías, desarrollo y crisis de la escolástica, Cisma de Occidente), la inquisición fue fundada en 1184 con toda la reforma y terror que llevó a este mundo, la terrible Peste Negra y la Guerra de los Cien Años. Que creó un mundo tan cambiante y complejo que sólo darse a entender como una época de mutación fundamental como la transición del feudalismo al capitalismo.

DATOS CURIOSOS DEL ARTE

Un error, dramático y casi fatal, señaló el nacimiento de Pablo Picasso. La partera, creyéndolo muerto, lo abandonó sobre una mesa; pero su tío, un médico que fumaba puros, lo revivió con una ráfaga del aire necesario (aunque lleno de humo) en sus pulmones.



El cuadro más grande del mundo es la batalla de Gettysburg, pintado en 1883 por Paul Philippoteaux y 16 de sus ayudantes, quienes trabajaron durante dos años y medio. Mide 125 metros de longitud por 21 metros de altura y pesa 5,349 kilos. En 1964, la pintura fue comprada por Joe King.



Claude Monet trabajaba en los campos de hierba de los acantilados en Etretat sobre cinco o seis cuadros a la vez. A medida que cambiaba el tiempo, pasaba de una tela a otra.



Cézanne fue rechazado por la École des Beaux-Arts cuando solicitó su admisión.



Como si no tuviera todo lo demás en su favor, Leonardo da Vinci fue descrito por la gente que le conoció como “el hombre más bello que vivió jamás”.



Le Bateau, de Henri Matisse, estuvo expuesto durante 47 días, en 1961, en el museo de Arte Moderno de Nueva York, antes de que alguien notara que estaba boca abajo. Habían pasado frente al cuadro alrededor de 116,000 personas antes de que se descubriera el error.



La falsificadora de arte madame Claude Latour era tan hábil que algunas de sus pinturas de calles y suburbios de París al estilo de Maurice Utrillo engañaron al propio Utrillo. El pintor confesó que muchas veces no estaba seguro de cuales eran las suyas y cuáles de Latour.

El parque de Ibirapuera en São Paulo, es considerado uno de los lugares mas bonitos de la ciuidad, la mayor área de recreación para toda la família en São Paulo pues cuenta con 1,6 millones de metros cuadrados de áreas verdes, además cuenta con 4 lagos y para las personas que les gusta hacer deportes al aire libre hay pistas de Cooper y canchas polideportivas.

En este lugar donde se reunen alrededor de 200 mil personas los fines de semana, también se pueden encontrar muestras de arte y de cultura.

Mi experiencia en este parque fue muy divertida y verdaderamente relajante pues es un escape de una ciudad con tanto movimiento como es São Paulo. Aquí tuve la oportunidad de apreciar las exposiciones de arte que se encuentran al rededor del parque (como las esculturas gigantes que salen en las fotos) y también ingresé al MAM (Museu de arte moderna).

Mis expectativas de las exposiciones que vería en el museo eran muy grandes y pensé que sería muy productivo apreciar el arte de artistas de otro país. Aquí encontré algo muy interesante: una obras de Laura Lima en donde se trató de representar el cuerpo humano. Sus obras eran de gente viva. Lo que significa que el cuerpo humano es transformado en materia prima, en objeto, pero no deja de ser un sujeto con vida propia. Su insipiración a esto fue que nosotros percibimos el arte con el cuerpo (lo vemos, tocamos, sentimos) pero el arte también afecta nuestra alma o conciencia. Es en el cuerpo precisamente donde se encuentran las sensaciones que tenemos con el mundo y nuestro espacio interior.

Cuando me detuve a observar un payaso que parecía de verdad, pero ya que era un museo, supuse que era de mentira, entonces realmente daba una sensación de miedo, me quedé observando su cara escalofriante, cuando de pronto movió la mano y apretó una bocina. Yo y todos los que estaban al rededor pegamos un grito enseguida, pero luego comenzamos a reir, fue una experiencia muy divertida.


Por otro lado, también pude apreciar en el museo las obras de Jorge Guinles , su “Belo caos” y pues La verdad quede decepcionada ya que para mi era solamente la colocacion de pintura en un lienzo, sin tener sentido de nada. Podría llamarse un abstracto pero la verdad que para mí esto no demuestra la creatividad de un artista. En fin, pasé un lindo día y me divertí mucho.

El arte bizantino

El arte bizantino se originó a partir del siglo VI como continuador del arte paleocristiano oriental y nace como confluencia de los estilos griegos, helenísticos, romanos y orientales.

En la arquitectura usaron ladrillo y piedra para los revestimientos exteriores y mosaicos en los interiores. Además emplearon arquerías de medio punto, columnas clásicas como soporte, etc.
Su aportación más importante fue el empleo sistemático de la cubierta abovedada, especialmente la cúpula sobre pechinas

Otra aportación de gran transcendencia fue la decoración de capiteles.
El gusto por la riqueza y la suntuosidad ornamental exigía el revestimiento de los muros de sus templos con mosaicos, no sólo para ocultar la pobreza de los materiales usados, sino también como un medio de expresar la religión y el carácter semidivino del poder imperial ya qu era un arte eminentemente áulico (perteneciente a la corte o palacio)

Desaparece la figura humana, se convierten en arquetípos, figuras alejadas de la realidad visual, por miedo a caer en la idolatría, ya que en este periodo existieron muchos conflictos y por ello tampoco se permitían las estatuas en los templos. Sin embargo, la imagen de Dios y de los santos fueron el centro de las decoraciones murales y los marfiles.

La función del arte bizantino era elevar la mente hacia el plano de lo divino. A través de la contemplación física de la grandeza y de la belleza artísticas, el hombre adivinaba la omnipotencia de dios.
Los métodos que usaban tenían una mezcla de lo sofisticado y lo primitivo pues muestra rigidez y técnica a la vez. Las sombras y claroscuros apenas existen.

CLAUDIA GUERRA.

Paseo al pasado (Románico)

En Palencia, se realizó un programa llamado "Te vas a quedar de piedra", un proyecto piloto que trata de dar a conocer a los jóvenes las características del estilo románico, la época en que se desarrolla, la sociedad y el entorno natural. Esto se consigue con actividades en el aula y salidas didácticas.

Gracias al proyecto desarrollado, pudieron conocer las características del estilo románico y los momentos del proceso de restauración. Acompañados por profesores y guías, llegaron hasta la iglesia del Monasterio de Santa María de Mave, donde un historiador y un arquitecto, les explicaron la evolución y características del templo y los pasos que se están dando para facilitar su restauración y conservación.

De una forma amena, los jóvenes aprendieron a diferenciar los elementos de la arquitectura románica: arcos, bóvedas, etc; se sorprendieron con los distintos usos que las campanas tenían en esa época: el toque de difunto, de incendio o el de concejo.

Para poner en práctica los conocimientos que adquirieron se dividieron a los participantes en varios grupos, que se encargaron de redactar titulares de prensa sobre la visita y de escribir un cuento sobre la actividad.

En total participan cerca de 200 jóvenes de infantil, primaria, secundaria y bachillerato.

Arte Barbaro

Desde el punto de vista del arte, las invasiones barbaras son la contraposicion de dos concepciones distintas: la concepción figurativa Romana y la abstracta del arte bárbaro.

La concepción Romana es un arte especialmente representa al hombre y la naturaleza. Mientras la concepción abstracta bárbara es un arte basado en la geometria, donde la naturaleza es un pretexto para crear un adorno.

Esta concepción abstracta del arte se resume en tres puntos:
Simetría
Estilización
Gusto por las materiales ricos en color

El zoomorfismo consiste en una decoración semianimal y semivegetal tan abstracta y geometrizada que termina siendo un simple entrelazo.

El policromismo generalmente de los pueblos indígenas del Mar Negro. Que organiza la ornamentación mediante el uso de piedras y pastas de vidrio insertadas en el metal, buscando el efecto de color.

El Arte Románico

El Arte románico fue un estilo artístico predominante en Europa teniendo en cuenta diferentes opciones que se habían utilizado en la Edad Media y consiguiendo así tener un lenguaje sencillo y coherente aplicado a todo lo artístico; surgió de manera casi simultánea en Italia, Francia, Alemania y España. En cada uno de estos países surgió con características propias, pero a pesar de eso es considerado el primer estilo internacional con ámbito europeo.

Las características en la arquitectura son el empleo del arco, la piedra escuadrada pero no pulida, cabeceras adornadas con arquillos, los templos se cubren con bóvedas de cañón y horno, las naves son más amplias y elevadas, se emplean los pilares como sustentación.













Las pinturas románicas se realizaban en las paredes y techos de las iglesias con la técnica al fresco.
La temática es exclusivamente religiosa, santos, apóstoles, vírgenes y escenas de la vida de Jesús. Todo está realizado con simplicidad.

No se conoce de perspectiva y no se acerca al realismo, eso nos muestra un un aire infantil y de sencillez, los personajes suelen aparecer de forma frontal, con ojos enormes y muy abiertos. Su importancia varía dependiendo del tamaño, mientras más grandes, más importantes.
Utilizaban los contornos en negro muy marcados y el relleno de color era muy vivo, de color uniforme.

No muestra mucho el paisaje, sólo los personajes porque ilustraba al fiel para trasmitir la Biblia mediante imágenes; lo mostraban de esa manera ya que la mayoría de la población era analfabeta y solo podían entender así los mensajes, porque era más simple de comprender.

En cuanto a la anatomía también mostraban simplicidad, en los músculos, miembros y hasta en la vestimenta, ya que de esta forma era más atrayente, no había sensualidad ni belleza corporal, eso era delicado de representar ya que en ese tiempo el sexo era tabú y fuente de pecado.

El arte es de las personas

El significado del arte a cambiado tantas veces como artistas y críticos han existido. Varía según la percepción del artista en forma de expresión, técnica y público. Y como el critico que es el comprador, el público, el mecenas, las personas en general, tienen una idea de lo que es el arte y lo que se debe de hacer.
Por ejemplo, “Ecce Homo” de Guido Reni fue una interpretación de Cristo en la crucifixión, en el q su rostro expresa toda la agonía y sufrimiento que sentía , comparado con la “Crucifixión” del Maestro Toscano, que sintió lo mismo que Guido Reni pero usó un diferente lenguaje, pero terminó expresando lo mismo.
También el avance en algunos aspectos de la vida como la fotografía ayudó a pintar con exactitud a los caballos, pero este cambio hizo creer que estas nuevas pinturas estaban mal hechas y no sean llamadas arte en aquella época.

Estilos según temperamento (Wolffin)

La lectura de Wolffin nos da a conocer que el arte depende muchas veces del temperamento de los artistas; la forma, el color, la textura, las lineas, la composición, etc; es por eso que se dice que el "pintor pinta con su sangre" y de esta manera "reconocer su mano", por lo tanto su arte.

Esto se puede notar más si los artistas empeñan lo que hacen en un mismo objeto de la naturaleza; por ejemplo: Botticelli y Lorenzo di Credi, artistas contemporáneos de la misma procedencia, ambos florentinos; la diferencia está en su arte, Botticelli dibuja el cuerpo femenino formal, la linea cobra vivacidad peculiar, todas sus lineas estan cargadas de energía a diferencia de Lorenzo que tiene una inequívoca forma de dibujar el cuerpo, es mucho mas parado, sus modelos son mas convincentes pero no tiene la fuerza impulsiva de los contornos característicos de Botticelli.

Otro ejemplo importante en esa época son los pliegues que constituían una verdadera mina para los psicólogos pues se obtiene una variedad de expresiones individuales fuertemente diferenciadas; así como Botticelli y Lorenzo está también Terborch y Metsu, quienes pintaban más pliegues y ropajes, en ellos también se diferencian sus distintos estilos; Terborch tuvo predilección por el raso, exquisita tela, en cambio Metsu los pliegues los ve como materia grave, con caídas gravitantes, el contorno tiene poca finura, le falta elegancia.

Podemos ver otro ejemplo en donde se trata de paisaje, árboles etc; en este aspecto podemos diferenciar a Hobbema y a Ruysdael, ya no por la manera sino mas bien por lo esencial del sentimiento.

Los árboles de Hobbema tienen un aspecto más ligero, son mas sueltos de contorno y se ven mas luminosos, en cambio Ruysdael usa la línea con peculiar pesadez, conserva juntas y compactas las masas, dificilmente resalta el horizonte, mientras que Hobbema gusta de la línea saltarina y graciosa.

Rubens otro artista realiza esto con mas ondas retorciendo las ramas hacia arriba y son tratadas con copas cerradas, de modo que los otros dos parecen a su lado finísimos siluetistas.

Finalmente llegamos a la conclusión de que el temperamento no hace obras de arte, sino que constituye lo que puede llamarse la parte material del estilo, en el sentido amplio de abarcar también el especial ideal de belleza.

Alessandra Alfaro M.

¿Qué es el Arte?

Es el acto mediante el cual el hombre expresa lo material o lo invisible. Es toda creación que el hombre desea exteriorizar, la visión que tiene del mundo; con gran imaginación expresando sus sentimientos por medio de palabras, formas, colores y sonidos.

El arte es considerado una belleza en todos los sentidos, es por eso que desde una pintura hasta la natureleza se llega a considerar arte.

Desde el punto de vista artístico, los barbaros tienen dos pensamientos distintos: la concepción figurativa que se apega a la representacion del hombre y naturaleza; y la concepción abstracta bárbara, en donde se utiliza mucho la geometría y el zoomorfismo.

El Arte románico fue un estilo artístico predominante en Europa. El románico supone el arte cristiano , por eso va a ser el arte de la irracionalidad y el misterio. Es un arte relacionado con la fe.